sábado, 27 de diciembre de 2014

Aretha Franklin



Aretha Franklin (1942- ), cantante estadounidense de pop, soul y rhythm and blues, elogiada por su magnífica voz así como por la emotividad y contundencia de sus actuaciones.

Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis, Tennessee, aunque su infancia transcurrió en Detroit, Michigan, donde su padre era un famoso predicador y cantante. La música gospel que escuchó en la iglesia influyó de forma decisiva sobre el estilo de Aretha. Realizó su primera grabación discográfica en 1960 con la Motown Record Company, compañía con la que inmediatamente alcanzó la fama. En 1967, su disco I Never Loved a Man y cinco sencillos, entre ellos 'Respect' y 'I Never', vendieron cada uno más de un millón de copias. El número de sus seguidores aumentó con los discos Live at Fillmore West (1971) y Young, Gifted and Black (1971), basados tanto en el pop como en el rhythm and blues.

Durante la década de 1980 continuó trabajando, época en la que colaboró con Annie Lennox en 'Sisters are Doing it for Themselves' y con George Michael en 'I Knew You Were Waiting'. En 1998, después de siete años de ausencia, grabó el disco A Rose Is Still a Rose en la línea del nuevo soul. Se trata de un álbum tranquilo en el que la voz se convierte en el instrumento principal y cuyas canciones giran en torno a dos de los temas fundamentales en la carrera de esta cantante, Dios y la mujer. A lo largo de su trayectoria ha sido galardonada con numerosas condecoraciones, así como con varios premios Grammy.
Aretha colección 

viernes, 26 de diciembre de 2014

Thelonious Monk



Thelonious Monk (1917-1982), pianista de jazz y compositor estadounidense, uno de los músicos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

Nació en Rocky Mount, Carolina del Norte, y en la década de 1940 fue, junto con el saxofonista Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie, uno de los creadores del estilo bebop de jazz. Su técnica pianística, poco ortodoxa, y la inescrutabilidad de sus composiciones le impidieron alcanzar la fama hasta mediados de la década de 1950, momento en que la profundidad y la complejidad de su música comenzaron a ser reconocidas, hasta ser considerado uno de los principales compositores de jazz de su época. Monk escribía casi siempre para grupos reducidos, interesándose cada vez más por las innovaciones formales.

En lugar de improvisar material nuevo manteniendo la secuencia de acordes de la obra original, lo que hacía era variar continuamente cada parte de la melodía. Este enfoque analítico influyó en muchos otros músicos de jazz, como el saxofonista soprano Steve Lacy, que improvisó sobre muchos de los temas de Monk, o pianistas como el británico Stan Tracy, Andrew Hill o Randy Weston. Gran parte de las obras de Monk, como Round Midnight, Criss Cross, Epistrophy, Well, You Needn't y Blue Monk se han convertido en clásicos del jazz.

El director cinematográfico Charlotte Zwerin ha realizado una película sobre la biografía de este músico titulada Straight no Chaser (1989), la cual constituye un documento sonoro de la vida y obra de este genio singular,
En 1924 se trasladó a Nueva York junto a su familia. A los once años ya recibía clases de piano, instrumento con el que acabaría acompañando a su madre, testigo de Jehová, en una iglesia bautista, en la que a veces tocaba también el órgano. Tras unos inicios balbuceantes, su primer éxito le llegó al llevarse el primer de premio de un concurso para aficionados celebrado en el Apolo, uno de los templos de baile más importantes de Nueva York. Esto le llevó de gira con una cantante de gospel por todo el país, pero el azar quiso que en un intervalo de la gira Thelonious conociera a Mary Lou Williams, que se fijó en el ya peculiar estilo de este pianista.

Entre los años 1937 y 1939 estudió en la prestigiosa escuela Juilliard School. Su primer encuentro con el jazz lo firmó con el trío del batería Keg Purnell. De aquí pasó a unirse en sociedad musical con Kenny Clarke, que pronto sería una de las instituciones del jazz norteamericano. Junto a este genial batería, Monk actuó tanto en el Milton's (un club en el que se celebraban divertidas jam sessions) como en el Kelly's Stables entre 1940 y 1942, años que vieron cómo dos de los grandes genios del jazz e inductores del bebop -Charlie Parker y Dizzy Gillespie- acaparaban toda la atención crítica. De todas formas, la carrera de este singular pianista se disparó cuando conoció personalmente a Bud Powell, con quien llegó a establecer una gran amistad. Era la época en la que participaba en el proyecto del batería Lucky Millinder, estrella del jazz de principios de los años 40.
Hacia 1944, Monk se asoció con Coleman Hawkins, con el que grabó como sideman sus primeros vinilos; Hawkins fue de hecho uno de los primeros en descubrir el enorme talento que albergaba este pianista. Quedan hoy vestigios de algunas grabaciones de Monk tomadas por Jerry Newman en el Milton's, hacia el mes de mayo, en las que interpretaba temas como "Stompin' At The Savoy", que popularizara el gran Gene Krupa

A lo largo de estos años, Monk actuó igualmente con algunos músicos de cierto renombre como Cootie Williams (1944) o el saxofonista Skippy Williams (1946), aunque fue su participación en la big band de Dizzy Gillespie -a quien conoció en la orquesta de Lucky Millinder hacia 1942- lo que le dio cierta proyección y fama. Debe señalarse que el peculiar estilo de Monk no tenía mucho que ver con el bebop que nacía en aquellos años de la mano de Gillespie y Parker. La "revolución Monk" llegó más bien en los años cincuenta, pero no estuvo implicado en la revolución de los primeros boppers.
1947 fue su gran año, en el que por fin consiguió grabar con su nombre. Para ello utilizó la fórmula del trío, con la que desarrolló la mayor parte de su carrera artística. La casa de discos era Blue Note, uno de los sellos más representativos del mundo del jazz. En esta casa de discos grabó entre 1947 y 1952 toda su producción propia, además de colaborar con insignes figuras como Art Blakey, Milt Jackson, Lucky Thomson o Kenny Dorham

El primer gran período compositivo de este genio se consolidó entre 1947 y 1951. Grabó piezas ya memorables, pronto convertidas en standars, como "Off Minor", "I Mean You", "Evidence" o "Straight No Chaser", incluidas todas en el álbum Thelonious Monk, The Complete Genius; o bien otras similares como "Well You Needn't", "Monk's Mood" o el famosísimo "Round Midnight", piezas grabadas todas ellas durante 1947 e incluidas en su vinilo Thelonious Monk. Genius of Modern Music. Volume 1, bien en trío (con Gene Ramey, piano; y Art Blakey, batería), bien en quinteto. 

Su obra como compositor es tan relevante como la que llevó a cabo como intérprete. Suyas son piezas que desde que las compusiera se han conformado como inexcusables obras maestras. "Round Midnight" -una de las altas expresiones de la música jazz-, "Off Minor", "Trinkle Tinkle", "I Mean You", "Epistrophy", "Well You Needn´t", "Straight No Chaser", "Blue Monk" o "Evidence" son composiciones de gran originalidad, muy al margen de otras obras maestras del género y que revelan a uno de los más grandes compositores del siglo XX. Thelonious fue un visionario, un personaje único y un músico irrepetible. Su vida puede resumirse en una frase pronunciada por él al final de su vida: I'm famous. Ain't that a bitch, que viene a decir algo así como 'soy famoso, pero no más que una perdida'.
Thelonious Monk colección 

jueves, 25 de diciembre de 2014

Jo Jones



Jonathan Jones nació en Chicago el 7 de octubre de 1911. Estudió música durante doce años llegando a aprender el piano y la trompeta junto con la bateria. Tocó con las conocidas “Territory Bands” del suroeste de los Estados Unidos incluyendo a los sensacionales Blue Devils del bajista Walter Page a finales de los años veinte.

En 1933 ingresa en la Kansas City Band del gran Count Basie. Con dicha banda, formará una de las mejores secciones rítimicas de todos los tiempos (Basie, Freddy Green y Walter Page). Jones combinará este rol con grabaciones junto a Teddy Wilson y Lionel Hampton en los años 1937 y 1938, con el sexteto de Benny Goodman en el año 1941 y después intervendrá en la grabación de innumerables álbumes junto a Buck Clayton, Sonny Stitt, Ruby Braff, Paul Quinchette, Coleman Hawkins, Jimmy Rushing, Illinois Jacquet y Nat Pierce.

Viajó por Europa con Ella Fitzgerald y Oscar Peterson en el año de 1957 hasta 1960. Durante este período grabará para Everest “Jo Jones Trio”
“Vamp Till Ready” y “Percussion and Brass”.

Sus otras grabaciones como líder incluyen discos como “Jo Jones Special”, relanzado como “The Essential Jo Jones” (nuestro álbum), o “The Drums”, un LP doble en donde nos cuenta su trayectoria, sus preferencias y en general la visión de la batería como instrumento expresivo. En 1976 lanzó “The Main Man” para Pablo y su última sesión está fechada en 1982 “Our Man Papa Jo” para Denon junto a Hank Jones, Major Holley y Jimmy Oliver. Murió el 3 de septiembre de 1985.

Por eso es uno de los bateristas capitales en la historia del Jazz. Jo Jones cambió la técnica existente dando preponderancia a los “exteriores” de la batería. Así mantenía el pulso rítmico de los temas apoyándose en los platillos en lugar del bombo y las cajas y usando todo tipo de accesorios percusivos como las escobillas, mazas e incluso las propias manos.

miércoles, 24 de diciembre de 2014

Richard Galliano



Richard Galliano nació en Le Cannet Francia en 1950. Su padre Lucien, un acordeonista italiano afincado en Niza, le introdujo en el acordeón a los cuatro años. Estudió además trombón, armonía y contrapunto, y a los catorce años empezó a interesarse por el Jazz, escuchando ávidamente los discos del gran trompetista Clifford Brown.

Conforme más profundizaba en el conocimiento del jazz, al joven Richard le sorprendía que no hubiera prácticamente ningún acordeonista participando en esa aventura musical. “Comencé a investigar y uno de mis profesores, Claude Noel, un disidente del acordeón, me hizo descubrir a los maestros italianos (Fugazza, Volpi, Fancelli) y americanos, como Art Van Damme y Ernie Felice, que tocaba con Benny Goodman en 1947. Pasé mi adolescencia buscando discos de esos músicos, pues era una época en la que sólo se encontraban en las tiendas cosas de Verchuren, Aimable o Yvette Horner”, explica Galliano.

Durante sus años de aprendizaje, tuvo que soportar las miradas burlonas de todos los que creían, siguiendo la opinión expresada por André Hodeir, que el acordeón es un instrumento “anti-jazz”. Y, efectivamente, el jazz no le daba entonces para vivir, por lo que se concentró en convertirse en un virtuoso del instrumento para ganar campeonatos y premios: Campeón del Mundo en 1966 en Valencia y en 1967 en Calais, Premio del Presidente de la República en 1968, Premio Django Reinhardt al mejor músico de jazz  otorgado por la Academia de Jazz de Francia en 1993.

En 1973, Galliano se decide por fin a dar el salto a París, y la suerte le acompaña: Claude Nougaro le contrata para su banda. “Entré en su orquesta a los 25 años para reemplazar a Eddy Louis. Allí estaban, además de Nougaro, Bellonzi, Trussardi y Vander, así que para mí fue una auténtica escuela de aprendizaje. Asumí después los papeles de jefe de orquesta, arreglista y compositor.

Estar al frente de una orquesta como la de Nougaro es una experiencia que marca. Aprendí sobre todo la importancia de la melodía. Cuando compongo en mi piano, pienso sobre todo en la canción, aunque sean piezas instrumentales”.
El encuentro con Astor Piazzolla fue decisivo. “Piazzolla me dijo: Tienes una imagen de acordeonista de jazz, demasiado americanizado. Eso no es bueno en absoluto. Encuentra tus raíces francesas. Igual que yo he inventado el tango nuevo, es preciso que tú te adentres en la nueva musette”, cuenta Galliano. “Pero la etiqueta musette era difícil de llevar. Era una música del pasado, desfasada, porque sus practicantes continuaban tocando el acordeón como en 1930, como si Charlie Parker, John Coltrane y Jimi Hendrix no hubieran existido nunca. En cambio yo le añado mis influencias más profundas, que son Astor Piazzolla, John Coltrane, Bill Evans y Claude Debussy”.

Espoleado por el consejo de Piazzolla, Galliano se aplicó a reconstruir con pasión, pero también con paciencia, el puzzle de todas sus influencias, hasta llegar efectivamente a la nueva musette: “Es la suma de todas mis experiencias pasadas, la idea de un jazz de aquí, próximo a mi ambiente, pues vivo en París, y a mis raíces italianas. Pero me niego a definir de manera más precisa mi proyecto: no he sacado al acordeón de un ghetto para encerrarlo en otro”, comenta categóricamente Galliano. Es una música que, aunque esté enraizada en la tradición, sólo le pertenece a él.

Siempre tiene palabras de recuerdo y agradecimiento para Piazzolla: “En una época en la que yo no sabía hacia donde iba, él me guió y me ayudó a comprender la necesidad de preservar mi identidad. Me dio además una gran confianza en este instrumento que ha sobrevivido a todas las modas, todas las pasiones y todos los rechazos”. La amistad entre ambos músicos durará hasta la muerte de Astor Piazzolla en 1992. 

Con la formación Tangaria Quintet, Galliano interpretará piezas clásicas del jazz, temas inspirados en su amigo Astor Piazzolla; tangos y boleros, ritmos como salsa, reggae,  vals  e incluso hará algún guiño a la música de Erik Satie.

En su discografía más reciente, destacan: 'Viaggio '(1993), Premio Django de Oro al mejor álbum del año; 'Laurita' (1995), 'New York Tango' (1996), 'Blow Up' (1997), 'French Touch' (1998), 'Passatori' (1999), 'Gallianissimo' (2001), 'Face to Face' (2001), 'Piazzolla Forever' (2003), 'Ruby My Dear' (2005), 'Trois danses' (2005), 'Luz Negra' (2007) y 'If You Love Me' (2007), producido con la colaboración de Gary Burton.
Richard Galliano Colección 


martes, 2 de diciembre de 2014

Jaco Pastorius



JACO PASTORIUS

Una habilidad técnica junto con gran imaginación hizo que Jaco Pastorius colocara al bajo eléctrico en el mismo rango de ejecución que un saxofón o una guitarra.
  
Genialidad fugaz sin embargo, una personalidad fuera de serie poco sencilla «él se autonombraba a sí mismo “el mejor bajista del mundo” y tal vez en muchas ejecuciones alcanzaba a serlo» Es a partir de Jaco cuando la mayoría de los bajistas pudieron liberarse por completo de los estereotipos musicales. Pero además hizo algo que pocos jazzistas lograron: pudo introducir al jazz a los jóvenes que sólo escuchaban el rock pues podía tocar una pieza como “Purple Haze” de Jimi Hendrix igual ataviado como un hippie y dando vueltas en el escenario como una pieza de John Coltrane Giant Steps por citar ejemplos.

El verdadero nombre de Jaco era John Francis Pastorius III
Nació el 1 de diciembre de 1951 en Norriwston, Pennsylvania, hijo de un renombrado baterista de jazz. Este hecho le permitió estar en contacto con la música y concretamente con este estilo, desde una edad muy temprana. 

A los 7 años comenzó a practicar la batería, pero a los 13 años sufrió una fractura de muñeca que hizo que cambiara el instrumento por el bajo eléctrico. A los 15 años se unió a una banda llamada “Las olas Brass”.

Uno de los primeros trabajos más ambiciosos lo hizo con el trombonista Peter Graves quien se refiere a el: Realmente estaba aterrorizado de que la banda tuviera que tocar algunas noches con Jaco, había escuchado hablar de este joven virtuoso pero pensaba que era demasiado joven e inexperto. Pero tan pronto como lo escuché, me dije “Esto es exactamente lo que estoy buscando”. Y cuando me reuní por primera vez con él, me di cuenta inmediatamente de su enorme talento. 

Más adelante y tal vez una de las épocas más brillantes de Jaco y donde tuvo más control sobre las drogas y estimulantes, fueron los primeros tiempos en el célebre grupo “Weather Report”

Una de las anécdotas más conocidas relacionadas con su ingreso en este grupo, fue la ostentosa presentación que Jaco hizo de sí mismo a Joe Zawin:

 En 1975 Zawinul estaba descansando en una esquina del Gussman Theatre de Miami, en un intermedio de la prueba de sonido, cuando Jaco llegó y, sin más, le dijo “Soy John Francis Pastorius III y soy el mejor bajista del mundo”, a lo que Zawinul, como es lógico, respondió: “Ve a joder a otra parte” (Textualmente: Get the fuck outta here!!!). No obstante, Jaco se las arregló para hacerle llegar una cinta, y más tarde una carta (evidentemente, Jaco estaba interesado en tocar con Zawinul). 

Pese a su desafortunada entrada, cuando Joe Zawinul escuchó la cinta, no pudo menos que reconocer que estaba ante un músico realmente interesante, con una propuesta novedosa, un sonido especial, y una técnica avasalladora. Según sus propias palabras: -Quedé absolutamente sorprendido. Sin embargo, Weather Report ya tenía un gran bajista: Alphonso Johnson. Sin duda, habrá sido un duro golpe para Jaco el no ser aceptado. Pese a todo, Jaco siguió en contacto con Joe Zawinul. La cinta que Jaco había pasado a Zawinul, era nada menos que la maqueta de lo que en breve sería su primer disco solista, titulado sencillamente “Jaco Pastorius”. 

Este disco fue publicado en 1976, y remasterizado en el 2000 por Epic/Legacy (Sony Music). Es el álbum con el que comenzó la leyenda Pastorius. Como primer tema, encontramos una sorprendente versión de Donna Lee, un tema conocido por su gran dificultad de interpretación, y que Jaco parece tocar como quien realiza un sencillo ejercicio, con el único acompañamiento de las congas de Don Alias.

 La utilización magistral que hace de los armónicos en Portait of Tracy, nos descubre a todos los bajistas unas posibilidades en las que nunca habíamos pensado.
Portait of Tracy es un tema en el que el bajo deja de ser un instrumento de acompañamiento para convertirse en algo más parecido a un piano, o una guitarra, donde tenemos bajos, armonía y melodía al mismo tiempo. Este tema está grabado en una sola pista, sin sobre grabación (recordings o overdubs),, y según contara más tarde en un reportaje, en la tercera toma, y sin “pinchar”, (el “pinchazo” es una técnica de grabación muy usual que permite, por ejemplo, rehacer la grabación en un cierto punto, generalmente donde ha habido un error, conservando las partes anteriores y/o posteriores).
 

En este disco, además de componer todos los temas (algunos en co-autoría), Jaco es autor de los arreglos de Metales y Cuerdas. Participan músicos del calibre de Don Alias, Randy Brecker, Michael Brecker, David Samborn, Herbie Hancock, Peter Graves, Narada Michael Walden, Wayne Shorter y Lenny White entre otros, además de Michael Gibbs como director de la sección de cuerdas. Contiene 11 temas: Donna Lee (Parker), Come On, Come Over (Herzog/Pastorius), Continuum (Pastorius), Kuru/Speak Like a Child (Hancock/Pastorius), Portrait of Tracy (Pastorius), Opus Pocus (Pastorius), Okonkole y Trompa (Alias/Pastorius), (Used to Be a) Cha-Cha (Pastorius), Forgotten Love (Pastorius), (Used to Be a) Cha-Cha (Pastorius), 6/4 Jam (Pastorius) Jaco obtiene por este disco dos nominaciones al premio Grammy, una al “Mejor Disco de Jazz”, y otra al “Mejor Solista de Jazz” por el tema Donna Lee. 

Hubo más trabajos de Jaco por supuesto pero no es aquí donde los estudiaremos  para saber más puedes checar nuestra fuente: http://aulaactual.com/especiales/pastorius/

El terrible día de su muerte.
La madrugada del 12 de septiembre de 1987, Jaco es expulsado de un concierto de Santana por tratar insistentemente de subirse al escenario. De allí se dirigió al Midnight Bottle Club, en Fort Lauderdale. Le fue prohibida la entrada, no se sabe bien si por su estado de embriaguez, por tratarse de un club privado, o por simple “capricho” de los porteros, pero lo cierto es que Jaco se negó a aceptar ese hecho, provocando un escándalo, e intentando colarse por la fuerza en el recinto.
Luc Hava, gerente del local y experto en artes marciales le propinó una paliza salvaje e injustificada (¡otra vez los tristemente célebres porteros de Discoteca!) que le llevó, en coma, al Centro Medico General Broward. Aunque consiguiera salvarse, la mitad de su cuerpo quedaría paralizado.
 

El 19 del mismo mes, su estado se agravó. Jaco fue retirado del respirador artificial a las 21:25 del día 21 de septiembre de 1987. Murió a la edad de 35 años.